You are here: Home EXHIBITION: Same same, but different Artists Mike Rouault Mike Rouault - Temporary

Mike Rouault - Temporary

Back to the show room

Noces de Rouilles Index le poids des maux
 Noces des rouilles
   Index le poids des maux
Composition Master Faille 2009 La conferance radiophonique
 Composition Master  Faille 2009
La conferance radiophonique


Interview with Mike Rouault (for a German translation, see below)


Which techniques do you use/prefer?

I use different techniques, they depend on the respective supporting materials. Principally, acryl, aquarelle and ink. Since about 4 years I have also been working with poasa, this enables me to rediscover the feeling and gestures of the pencil. I always start with a drawing, then sketch with aquarelle colours or ink. I also make many engravings. In short, I try to use many different techniques. It is fun and enjoyable to discover a different medium. However, I always keep coming back to painting and drawing. I am also receptive regarding new media, such as digital technologies, and I use such techniques (Illustrator, Photo-Shop) to combine the web and print.

What are the themes of your work?

 

Such a big question --- Mankind has been central to my work for over 20 years. To be human and the possibility to shape ones own destiny interest me very much. The feelings, moods, claims, the taking of sides, the fear, the hatred of others, politics. Other themes have long been the “German” (la Germanique). A tendency, which has been featured in my work for several years, and which is always present. Since two years I have been working with words and their respective meanings, transgressing different themes and associations. As in music, which has always been important for my way of life and for the creative artistic process. I require a pictorial musicality.

Is that to say, that you translate the music into the essence of the image!? And when you listen to music, does that mean that you can always image it as an image? Does this also work in reverse?

It’s a bit like that. There are many similarities between language, music, and painting. Jean Tardieu was correct when he observed: “Painting should be translated, as should music, and objects, and everything that can be understood through language. But translated through words, rhythms and sounds.” With the project “Toile de Son”, Michel (Bass), Claude (percussion) we have developed a performance that creates a dialogue between the two major arts. For this reason I require music to be able to work, even when silence itself forms a means to musical expression.
For example:
Rhythm:
Drawing: Succession from high to low point depicting general movement in a pictorial work.
Music: Intertwining of the meaning of notes, their duration.
Intensity:

Drawing: a high degree of energy, power and might, which is reached by the inherent disposition of mass, the usage of colours, and of symbolism.

Music: a high degree of energy, power and tangible might, to be experienced by variations in the height and speed of musical notes.

We were discussing the subject of your themes, but also of the music: where do you find your inspiration?

In daily life, my pains and pleasures. In my artistic experiences with the theatre. In my Franco-German culture, and the histories of the their respective peoples.

Is it for this reason that you experience your art mostly from an internal perspective, and to a lesser extent from an exterior view?

Both. Art is first of all experienced internally, but ultimately is also felt by others. And it reaches a point of exteriority by means of such an exchange with other people. I believe, that the whole artistic oeuvre derives from many different exterior points of view. It is a child who grows, but its time is not the same as our own.

 

And what meaning does time have in this context?

M.R. Should my work still exist in 100 years, people will not have the same sentiments and views as the people of our times. One will not share the same forms and types of works of art, as these are always in the process of changing. (person x with his/her life, feelings, interpretations). Time accompanies art, and in a way grants it eternal life. But I could be mistaken. But when I arrive at the point where I can transfer an idea to canvas, surely even in 100 years it will still have some meaning for certain people, that would make me happy.

Everywhere possible. In cultural institutions, galleries, salons. It is important to present ones work and subject it to the gaze of the public. The Internet is an excellent tool with which to transmit art. It enables us to make an exhibition and invite the whole world. But to see a work of art in person is always better. Since 4 years now I have participated in “Grands Formats” in a small village of Touraine (France), where 30 artists paint a canvas of 4 x 2 m from 9 to 5 pm. The public is invited to observe, and it is a wonderful artistic and human experiment, as it constitutes a direct exchange with people during the most creative phase. Like a private exhibition.

And which place to you prefer, and why? Do you prefer public spaces?

No, I have no preferences. I like to exhibit everywhere, in bars, foyers, for handicapped people, in passing at cultural centres, and galleries. I have no pretensions. The problem with art and the exhibits is the money. The worst part of the system is that it makes artists dependant and enables galleries to make a profit. The modalities in some of the french galleries can be particularly delusional. Why would one give more than 70% of the buying rate to a person who merely owns the walls, and 20% even when the painting hasn’t been sold? That is unacceptable. It is better to seek associative models. That art has to come with a price tag is one thing, but it should also always be accessible to everyone.

Does this market oriented system influence your art?

No.

When an exhibition venue is suitable for my work, it means that it also corresponds with my artistic intentions. I discern carefully between commissioned work, such as an album cover, and a painting. In both cases the people trust me, and I work accordingly in a way corresponding with my artistic vision. I don’t make pretty flowers to put in a gallery in the hope of making lots of money. No future. That is not my way. The system can influence one’s work, but when it comes to my artistic gait, for example in the creation of one of my pieces (painting, drawing), I refuse to submit myself to such a system.

How would you describe your personal situation as an artist in Paris?

My situation in Paris. I am not alone, there are millions of us. And somehow we all make art. Art has been democratized and the Internet has allowed us to go new ways, to “leave behind the shadow’. At the moment circumstances for artists (musicians, painters, illustrators, graphic novel writers, dancers and actors) are difficult, and yet some members of our society regard them as pointless and unnecessary. During the crisis the arts and other expressions of mediation were affected first of all. Institutions are closed, as well exhibition spaces, theatres, and concert halls. The budgets for art funding have reached a low point. Art receives much too little funding. And the privatization of Art keeps on growing. People with money are deciding what is to be considered art.

Of course Paris is a capital of Art, but for whom? Are the artists recognized? Yes, in a certain way. But who has access to this type of culture? To exhibit in Paris is great; most of all in a gallery, which is still the best. For about 10 years this is how it was, I think. But many great exhibitions were also abroad, in Germany – you take that risk. You have to seek different paths in order to be exposed to different visions.

Personally I have this possibility, my artistic work is recognized. Yet I still cannot make a full living from my art alone; that is a choice, an economic reality.

Do you regard yourself as an artist? Where do you situate your art? More locally, or globally – or perhaps both?

In a way locally, as my art is always exhibited in its respective environment.The place where I live. I also have the chance to intervene in the cultural scene of La Seine St. Denis. By means of an exhibit or an auction in the atelier, open to the public. In Paris it is difficult to find a gallery.

Does that make me a local artist? I don’t think so. I live in different cities in St.-Denis, yet I don’t consider myself to be an artist belonging to any city in particular – I believe we must look beyond this. At least I hope so.

Finally, we are not more important than other people, we express ourselves and communicate with others, in different ways that are comprehensible to all.

And are you interested in global art, the different contexts and regions?

I am susceptible to all forms of art. At the moment I am attracted to Asian art (China and Japan), but also feel closely connected to African art; there is almost nothing that I really do not like. This ‘art brut’ was really created before modernity and many artists have soaked up its influences. I grew up with Mangas, my heroes were the comic book characters, the tv shows with giant robots, Goldorak, the mangas of Go Nagai, AlbatordeLeji Matsumoto from 1969 in theManga kaizoku Captain Harlock.

When I draw skulls, they look a bit like these ones (laughs!). In Asian art there is a characteristic of change, a texture of emotions. An artist like Zao Wou Ki is very important to me. That is nice.

For me all forms of art are reflections of the places where we live, grew up, or die.

Do you work together with artists within France or in other countries?

I tried being part of a collective, an experiment that wasn't very convincing. I think it is something special whenever it is organized. As is the case with the external structure of Open Art. The cooperation with other artists from different countries is great, but when the cooperation derives from the same environment it can quickly devolve into an “ego trip”. One should contemplate the reflection of the thought, “I am the best, and your art is worthless”. How unconstructive this is for everyone involved. I prefer the exchange with other disciplines, for example with music and theatre, with such a project one can really achieve something. That doesn’t mean that I don’t like painting with other artists at all, but only at certain events and with people who have experience from which you can benefit and learn something. Actually, I really prefer working by myself.

Are there projects that feature an exchange with music and theatre? How would this manifest itself?

Regarding music there is the project Toile de Son with my friends Claude and Michel Mekerri. There have also been several album covers with text illustrations. The theatre work is very enjoyable for me, although I am a rather shy person; but it enables me to express different feelings and emotions. The theatrical is like a composition, a scene to be put onto canvas.

 

And do you draw when the music is over, or do the musicians play in accordance to your drawings? Who decides this?

Good question. In the framework of Toile de Son we communicate on a collective level. At the moment I enjoy it when music interprets my drawings. I think that is a great idea! Should you know any good musicians, please let me know.

Is this difficult? Doesn’t it require a process of translation and the adequate transmission of a message to the audience? In this case the double translation of both music and drawing to an auditorium, some must understand this interpretation.

Hm, with Toil de Son it’s an ensemble. The audience listens and watches, as simultaneously a picture is created. It isn’t a process of translation, it’s a shared language between both arts. There are certain translations, for example I sometimes graphically reproduce a musical note. When Claude the percussionist plays “hot” Rhythms, I automatically use red paint. On the other hand, when he uses the cymbals with a very dry sound, this becomes much more visible in the techniques and hatches. The same is true for Michel’s bass. Three months ago we had a performance with more than 600 people. Those were 600 different perspectives, 600 different interpretations, mostly considering the visual element (in this case it was about the interpretation of a logo). When it’s a painting, it is different. I never know how I will achieve this. Will it be abstract or not (sometimes I try to avoid a 100% abstract work of art), and will it continue in the same style and form?With a shared language.

Good! Now for the last question. What do you think about the project Open Art? Why are you participating and what do you expect?

Open Art is a good art project, because it brings artists from all continents together. It is a “free” and “open” project, open to all. It is like a beacon of light, I hope that is what it can become??? I am participating because I enjoy it; it is an exhibition in the country of my origin. And I am very proud to have my roots be in Germany and to be able to exhibit there. In this way I return a little bit to myself. I participated with the project, because there is much exchange with artists and those who are visiting to see the permanent exhibition. Das is geil!

Thank you also for the project, for your confidence in the work of the artists. Ultimately, none of us are more important than anyone else, if there would be nobody to appreciate art, to criticize or to love it, we would remain all alone.



Interview mit Mike Rouault (deutsch)


Welche Techniken benutzt bzw. bevorzugst Du?

Ich verwende verschiedene Techniken, sie hängen von den jeweiligen Unterlagen ab. Prinzipiell Acryl, Aquarell und Druckfarbe/Tinte. Seit etwa 4 Jahren arbeite ich außerdem mit poasa, dies ermöglicht mir das Gefühl und die Gestik des Bleistiftes wiederzufinden. Ich beginne immer mit einer Zeichnung, Skizze, dann mit Aquarellfarben oder Tinte. Auch mache ich viele Gravuren. Kurzum, ich versuche mich an vielen Techniken. Das ist lustig, es mach Spaß, andere Medien zu entdecken. Trotzdem, ich komme immer wieder zu Malerei und die Zeichnung zurück. Auch bin ich aufgeschlossen, was die neuen Medien anbelangt, wie Digitaltechnik, auch diese Techniken benutzte ich (Illustrator, Photo-Shop), um web und Druck zu verbinden.

Was sind die Themen deiner Arbeiten?

Eine große Frage ---- Der Mensch steht im Zentrum meiner Arbeiten seit mehr als 20 Jahren. Das Menschsein und die Fähigkeit der Daseinsbestimmung interessieren mich. Die Gefühle, Stimmungen, Ansprüche, die Parteinahme, die Angst, der Hass der Anderen, die Politik. Weitere Thematiken sind seit langem das „Deutsche“ (la Germanique). Eine Zuneigung, die seit einigen Jahren präsent ist, die immer vorhanden ist.
Seit zwei Jahren arbeite ich über die Worte und deren Bedeutungen, überschreite verschiedene Thematiken und Resonanzen. Wie für die Musik, die immer für meine Art des Lebens wichtig ist und für den kreativen künstlerischen Prozess. Ich brauche eine piktorale Musikalität.

Heißt dass, du übersetzt die Musik ins Innere der Bilder !? Und, wenn Du Musik hörst, kannst Du sie die immer bildnerisch vorstellen? Und gilt dies auch umgekehrt?

So ist es in etwa. Es gibt viele Ähnlichkeiten in der Sprach der Musik und der der Malerei. Jean Tardieu bemerkte zu Recht: „Die Malerei sollte übersetzt werden, wie die Musik, wie die Objekte, wie alles, was mit Sprache zu verstehen ist. Aber übersetzt durch Gleichwertigkeit, durch Worte, Rhythmen, Klang.“ Mit dem Projekt „Toile de Son“, Michel (Bass), Claude (Batterie) habe wir eine Performance erarbeitet, die einen Dialog zwischen den beiden Hauptkunstformen schafft. Desweiteren brauche ich die Musik um arbeiten zu können, zugleich ist die Stille auch ein musikalischer Ausdruck.

Zum Beispiel; Rhythmus Zeichnung: Abfolge von Höhepunkt und Schwachpunkt, die in einen Bildnis eine allgemeine Bewegung ausdrücken
Musik: Verknüpfung der Bedeutung der Noten, deren Dauer
Intensität:
Zeichung: ein hoher Grad von Energie, Kraft und Wirkmacht, die erreicht wird durch die Disposition der Masse, die Nutzung der Farben und der Symbolik
Musik: ein hoher Grad von Energie, von Kraft und spürbaren Wirkmacht, erfahrbar durch Variationen der Höhe und Schnelligkeit der gespielten Noten

Wir sprachen über das Sujet und deine Themen, auch Musik: wo findest Du Deine Inspirationen ?

Im alltäglichen Dasein, in meinen Schmerzen und Freuden. In meinen künstlerischen Erfahrungen mit dem Theater. Durch meine Franco-Deutsche Kultur, in dem Zusammenwirken und der Geschichte der beiden Völker.

Empfinden Sie deshalb ihre Kunst meist durch die Innensicht, weniger durch die Außensicht?

Beides. Kunst wird zuerst von innen gesehen, empfunden, aber letztendlich auch durch andere. Und sie erreicht einen Punkt der Außenbetrachtung mittels des Austausches mit Menschen. Ich glaube, dass das ganze künstlerische œuvre aus den unterschiedlichen Außenbetrachtungen erwächst. Es ist ein Kind, das groß wird, aber die Zeit ist nicht dieselbe als unsere.

Und was bedeutet Zeit in diesem Zusammenhang?

Sollten meine Arbeiten noch 100 Jahre existieren, werden die Leute nicht mehr die gleichen Empfindungen und Ansichten haben als Menschen der Gegenwart. Man wird nicht die selbe Form, Art von Kunstwerken haben, da dies sich immer verändert (die Person X, mit ihrem Leben, Gefühlen, Interpretationen). Die Zeit begleitet die Kunst und macht sie auf eine bestimmte Weise unsterblich. Ich kann mich aber auch irren.
Aber wenn ich es erreiche, eine Idee auf/in ein Bild zu übertragen, wird diese Idee noch in 100 Jahren bestimmten Menschen was sagen, ich wäre darüber glücklich.
Die wichtigste Verhaltensweise ist eine Meinung zu haben, Ignoranz verachte ich am meisten. Ein Werk zu ignorieren bedeutet eine Idee, eine Position, das Menschsein zu ignorieren. Ein positives oder negatives Gefühl zu haben verleiht uns die Fähigkeit, zu leben. Leben in der Zeit.

Wo zeigst Du die Deine Kunst

Überall, wo es möglich ist. In Kultureinrichtungen, Galerien, Salons. Es erscheint wichtig, sein Werk den Menschen und deren Blicken zu zeigen, Das Internet ist ein ausgezeichnetes Mittel, um Kunst zu vermittel. Wir können eine Ausstellung machen und die ganze Welt einladen. Noch besser ist jedoch eine Arbeit real zu sehen. Seit 4 Jahren nehme an „Grands Formats“ in einen kleinen Dorf der Touraine (Frankreich) teil, wie sind 30 Künstler und bemalen eine Leinwand 4 x 2 m von 9 bis 17 Uhr. Die Öffentlichkeit ist dabei und es ist ein wunderbareres künstlerisches und menschliches Experiment, denn es ist der direkte Austausch mit den Menschen während der kreativen Phase. Wie bei einer Vernissage.

Und welchen Ort bevorzugst Du und weshalb? Bevorzugst Du den öffentlichen Raum?

Nein, ich habe keine Präferenzen. Ich mag es, an allen Orten auszustellen, in Bars, in Foyers für Menschen mit Handicap, im Vorbeigehen in Kulturzentren und einer Galerie. Ich habe keine Ansprüche. Das Problem ist das Geld, bei der Kunst und den Ausstellungen. Ein System, dass Künstler abhängig macht und von dem die Galeristen profitieren, das ist das schlechteste an diesem System. Die Ausstellungsmodalitäten sind in machen Galerien Frankreichs geradezu hirnverbrannt. Wieso soll man mehr als 70% des Verkaufserlöses einer Person geben, die die Wände eines Raumes besitzt, zugleich sind etwa 20% des Bildwertes abzutreten, wenn es nicht verkauft wird. Das ist unakzeptabel. Es ist besser, gemeinschaftliche Strukturen zu suchen und die Arbeiten gemeinschaftlich auszustellen. Das Kunst einen Preis haben muss, gut. Aber Kunst sollte ebenso allen zugänglich sein,

Dieses am Markt orientierte System, beeinflusst Deine Kunst?

Nein. Wenn ein Ausstellungsort für meine Arbeiten ok ist, dann korrespondiert er mit meinem künstlerischen Vorhaben
Ich mache einen Unterschied zwischen Auftrag, wie für ein Taschenalbum und einem Gemälde. In beiden Fällen vertrauen mir die Leute und stimmen mit meiner künstlerischen Vision überein.
Ich machen keinen hübschen Blumen, stelle sie in einer schönen Galerie aus mit der Chance, viel Geld zu verdienen. No future. Dies ist nicht meine Art.
Das System kann einem beeinflussen, doch mit meiner künstlerischen Sicht, bspw. in der Schaffung eines Werkes (Malerei, Zeichnung), verweigere ich mich diesem System.

Wie würdest Du Deine persönliche Situation als Künstler in Paris beschreiben?

Meine Situation in Paris. Ich bin nicht alleine, wir sind Millionen.  Alle machen irgendwie Kunst. Kunst wurde demokratisiert und das Web eröffnet einigen von uns neue Wege zu gehen, den « Schatten zu verlassen ». Zurzeit, sind die Bedingungen von Künstlern (Musiker, Maler, Illustratoren, Comicbook-Autoren, Tänzer und Schauspieler) schwierig, sehen doch einige in der Gesellschaft diese als sinnlos und unnötig an. In der Krise wird die Kunst und die Ausdruckmittel der Mediation als erstes angetastet. Man schließt Einrichtungen, Ausstellungsorte, Theater, Konzertsäle. Die Budgets für die Kunstförderung erreichen einen Tiefpunkt. Die Kunst erhält viel zu wenig Geld. Die Privatisierung der Kunst wächst und wächst. Menschen mit Geld bestimmen was Kunst ist.
Ich lebe nicht von Paris, ich beanspruche meine Lebenswelt. La Seine St-Denis, das ärmste Departement Frankreichs, doch mit der bedeutendsten künstlerischen Produktion. Es ist ein Departement, wo Multikulturalität besonders wichtig ist und die künstlerischen Kreationen ein Bild diese Bevölkerung  Kreativität zeigt.
Sicher, Paris ist eine Kapitale der Kunst, doch für wen? Sind die Künstler anerkannt? Ja, auf eine bestimmte Weise. Doch wer hat Zugang zu dieser Kultur. Ausstellen in Paris ist toll; in einer Gallerie, das ist noch immer bestens. Dies war etwa 10 Jahren so, denke ich. Aber viele tolle Ausstellungen waren außerhalb, in Deutschland – dort wird das Risikio eingegangen. Du musst weg gehen um andere Visionen aufzunehmen.
Persönlich habe ich die Möglichkeit, meine künstlerische Arbeit ist anerkannt. Und trotzdem lebe ich nicht nur hauptsächlich von meiner Kunst; dies ist eine Wahl, eine wirtschaftliche Realität.

Du betrachtest dich als Künstler ? Wo verortest du deine Kunst? Mehr lokal oder ´global – beides?

Auf eine Weise lokal, sie wird in ihrer Umgebung ausgestellt. Am Ort, an dem ich lebe. Ich habe auch die Chance, mich in das kulturelle Umfeld in Seine – St. Denis einzubringen. Bin ich deswegen ein lokaler Künstler? Ich glaube, nein. Ich wohne in verschiedenen Städten in Seine St.-Denise, doch betrachte ich mich nicht als Künstler dieser oder jener Stadt --- ich glaube, wir müssen weiter blicken. Hoffentlich.
Durch eine Ausstellung oder eine Aktion im Atelier mit Publikum. In Paris ist es schwierig, eine Galerie zu finden.
Schlussendlich sind wir nicht wichtiger als andere Personen, wir drücken uns aus und kommunizieren mit anderen, mit Mitte, die verständlich  sind für alle.

Und interessiert dich die globale Kunst, die unterschiedlichen Kontexte und Regionen ?

Ich bin empfänglich für alle Formen von Kunst. Gegenwärtig zieht mich die Kunst Asien an (China und Japan), auch verbindet mach was mit der Kunst Afrikas; es gibt eigentlich nichts, was ich nicht mag. Dies ‚art brut‘ wurde wirklich vor unserer Moderne geschaffen und viele Künstler nahmen deren Einflüsse auf. Ich bin aufgewachsen mit den Mangas, meinen Helden waren die Animnationszeichnungen, das Programmfernedehen mit den Roboterriesen Goldorak, Mangas von Go Nagai, Albator de Leiji Matsumoto von 1969 in den Manga Dai-kaizoku  Capitaine Harlock.
Wenn ich Totenschädel zeichnen, sehen sie in etwa aus wie diese (lacht !). In der Kunst Asien gibt es eine Art des Wechsels, eine Textur der Emotionen. Ein Künstler wie Zao Wou Ki ist für mich sehr wichtig. Das ist schön.
Alle Formen, Kunst ist für mich das Spiegelbild des Ortes wo wir leben, augewachsen sind oder steben.

Nimmst du Teil an Künstlerkollektiven in Inland  und/ oder außerhalb Frankreichs?

Ich habe es ausprobiert, Teil eines Kollektivs zu sein, ein Experiment das nicht sehr überzeugend war. Ich finde, dass es besonders ist, wenn es organisiert wird. Durch eine externe Struktur wie es bei Open Art der Fall ist. Die Zusammenarbeit mit anderen Künstlern, die aus allen Ländern kommen ist super, stammt die Gemeinschaft hingegen aus dem selben Umfeld, mit dergleichen Sensibilisierung, kommt es schnell zu Herausbildung eines „Ego Trips“. Man sollte die Reflexion des Genres bedenken „Ich bin der Beste, deine Gemälde sind nichts.“ Was wenig konstruktiv für alle ist. Ich bevorzuge den Austausch mit anderen Disziplinen, der Musik und dem Theater zum Beispiel, man kann wirklich mit dem Projekt etwas erreichen. Das bedeutet nicht, dass ich es nicht mag, mit anderen Künstlern malerisch zusammenzuarbeiten, aber bei Gelegenheiten und immer mit Menschen, die Erfahrung besitzen die du erlernen möchtest. Eigentlich ziehe ich es, vor alleine zu arbeiten.

Sind da Projekte, die den Austausch mit Musik und dem Theater habe? Und wie muss man sich dies vorstellen?

In Bezug auf Musik gibt es das Projekt Toile de Son mit meinen Freunden Claude und Michel Mekerri. Entstanden sind auch Covers von CDs mit Textillustrationen. Die Arbeit mit dem Theater mache ich des Spaßes wegen, ich bin ich doch eher schüchtern; doch ermöglicht es andere Gefühle und Emotionen auszudrücken. Das Theatralische ist wie eine Komposition und wie eine Szene auf einem Bild aufzutragen.

Und malst du wenn die Musik vorbei ist oder spielen die Musiker nach deinen Zeichnungen. Wer bestimmt dies?

Gute Frage. Im Rahmen der Toile de Son kommunizieren wir auf einer gemeinsamen Ebene zusammen. Gegenwärtig mag ich es, wenn die Musik meine Zeichnungen interpretiert. Das finde ich eine super Idee! Solltest du gute Musiker kennen, sag’s mir.

Ist dies schwierig? Handelt es sich doch um einen Prozess der Übersetzung und um eine adäquate Umbermittlung einer Botschaft an das Publikum, dies ist eine doppelte Übersetzung, beispielsweise durch die Musik, über die Zeichnung bis zum Auditorium, einige werden die Interpretation verstehen….

Hm, bei ‘Toile de Son’ ist es ein Ensemble. Die Zuschauer hören zu und sehen, wie zugleich ein Gemälde geschaffen wird. Dies ist kein Übersetzungsprozess, es ist eine gemeinsame Sprache zwischen den beiden Künsten. Es gibt Übersetzungen, beispielsweise setzte ich graphisch eine Musiknote um. Wenn Claude, der Schlagzeuger, „heiße“ Rhythmen (games?) spielt nehme ich automatisch rote Farbe. Andererseits, wenn er das Cimbalon benutzt mit einem herb klingenden Ton, wird dieser Teil viel sichtbarer durch den Zeichenduktus oder die Schraffuren. Dasselbe gilt für die Bassstimme Michels. Wir hatten eine Vorstellung vor drei Monaten mit mehr als 600 Personen. Das waren 600 verschiedene Ansichten, 600 verschiedene Interpretationen, selbst was das visuelle betraf (in diesem Fall ging es um die Interpretation eines Logos)
Wenn es Gemälde ist, ist es anders, ich weiß nie, wie ich diese fertig stelle, Wird es abstrakt oder nicht(manchmal versuche ich eine 100% abstrakte Arbeit zu vermeiden), beginnen aber in derselben Art und Weise. Mit einer gemeinsamen Sprache.

Gut, die letzte Frage…. Was denkst Du über das Projekt Open Art ? Warum nimmst Du daran teil und was erwartest Du?

Open Art ist ein gutes Kunstprojekt. Denn es bringt Künstler aller Kontinente zusammen. Es ist ein „freies, offenes“ Projekte, offen für andere. Es ist wie ein Leuchtfeuer, ich hoffe, das kann es werden???
Ich nehme daran teil, da es mir Spaß macht; es ist eine Ausstellung, eine mehr im Land meiner Herkunft. Und ich bin sehr stolz, meine Wurzel in Deutschland zu haben und dort ausstellen zu können. So komme ich einen kleinen Teil zu mir zurück. Ich nehme an dem Projekt teil, da es viel Austausch mit Künstlern und jenen, die die permanente Ausstellung betrachten, gibt. Das ist geil! (Originalton).
Danke an Euch für das Projekt, für das Vertrauen in die Künstler. Schlussendlich ist keiner von uns wichtiger als der andere, wenn keiner da ist, der Kunst schätzt, kritisiert oder liebt, bleiben wir alleine.





 

Powered by Plone CMS, the Open Source Content Management System

This site conforms to the following standards: